Mind Design es un estudio de diseño de Londres creado en 1999 por el alemán Holger Jacobs, al que posteriormente se les unió sus compañeros Romilly Winter y Claire Huss. El objetivo de este estudio es hacer un diseño integrado en donde se combina tanto el desarrollo de identidad corporativa, los diferentes elementos de comunicación para la impresión, Web y el diseño de interiores. Por lo que un cliente que entre sale “con todo puesto”.

La filosofía del estudio se basa en dos pasiones que se reflejan directamente en sus trabajos, la artesanía y la tipografía. Asimismo su visión de cada proyecto como un nuevo desafío y su deseo de no tener establecido ni seguir un estilo gráfico concreto como estudio, hace que sus trabajos sean totalmente diferentes y tengan una frescura gráfica especial.

Esa forma tan particular de enfocar sus trabajos de diseño les lleva, desde a recoger trozos de madera de las márgenes del río Támesis para el desarrollo de un sistema de orientación experimental de un edificio situado en el río Támesis, hasta a realizar una impresión de imágenes de Google Earth en paneles de vidrio con láminas de pan de oro para decorar las paredes de el baño de las tiendas Belmacz.

En muchos de sus trabajos podemos ver una combinación de tradición y modernidad que los hace especialmente atractivos. También cuentan con seis tipografías diseñadas en el estudio: Metástasis, Verdun, Maxi Futura Sofá, Futura Maxi Glam, Müggenburg Grotesk y Sound Escale.

Merece la pena ver el trabajo de este estudio, incluso bajarse el PDF recopilatorio de sus mejores trabajos que ofrecen en su propia página para ver un poco que se cuece por este estudio londinense.

Pues insistiendo en el dibujo me parecen geniales las caricaturas de este italiano, Marco Calcinaro, Graduado en la Academy of Fine Arts of Brera in Milan en 1993. No es de extrañar que su trabajo se exhiba en galería de toda Italia, y que trabaje como ilustrador y publicitario.

Caricatures 3 on the Behance Network.

M_Lab on the Behance Network.

Manuel Canales diseñador.
Lugar: San José, Costa Rica
www.canalesgraphics.com
information graphics + infographics + illustration + web design
Premios:
Gold Medal Malofiej 17
Silver Medal Malofiej 18

http://www.flickr.com/photos/canalesgraphics/

No es la primera vez que tenemos al gran tipógrafo Hermann Zapf en nuestro blog y seguro que no será la última, pero el otro día merodeando por el magnífico blog de Peter Gabor me encontré con una galería de imágenes de páginas del libro Manuale Typographicum que Zapf publicó en 1954 y del que la edición original en inglés fue limitada a mil ejemplares.

El libro consiste en algo más de un centenar de páginas en la que se recogen alfabetos y citas impresas en diversos estilos tipográficos. Las citas seleccionadas son diversas, en diferentes idiomas -16-  y responden al interés del autor. Son textos de diseñadores, tipógrafos, escritores o pensadores que reflejan la importancia de la tipografía, la letra, la forma, la palabra, los libros y la evolución. Podemos encontrar textos del tipógrafo y profesor F.H. Ehmcke, de Victor Hugo, Aldous Huxley, del gran tipógrafo inglés Stanley Morison -Times New Roman-, Frederic Goudy, Jan Tschichold o hasta ese insulso, aunque no falto de razón, proverbio español.

El diseño del libro, en formato horizontal, también está realizado por Hermann Zapf y la selección tipográfica es de muchos tipos ideados por él mismo, así como tipos de la fundición Stempel (Frankfurt/Main).

El propósito de este manual es, según palabras del propio Zapf, “Mostrar las múltiples posibilidades de expresividad y belleza del tipo, ya sea individualmente o bloques de texto, por el uso de medios puramente tipográficos”.

“To show the myriad possibilities of the expressiveness and beauty of type, whether individually or in massed text, by the use of purely typographic means.”

Hermann Zapf señala los requerimientos de cambio inevitables que reclamaban los nuevos lectores, los nuevos medios de comunicación y las nuevas tecnologías. En la década de 1950, la técnica de fotocomposición había comenzado a desplazar a los caracteres de metal fundido. Lo más sobresaliente de este periodo fue la consolidación del dominio del estilo internacional suizo en el mundo de la composición; el estilo internacional de la escuela suiza se basa en el uso de una retícula para los diseños, en el empleo casi excluyente de los tipos grotescos y en las composiciones asimétricas.

Quizás lo más llamativo de esta publicación es que después de casi 60 años sigue siendo actual, estéticamente exquisita y tipográficamente atractiva e interesante en el fondo y la forma. Cada una de sus páginas son dignas de ser revisadas en esa galería de imágenes del Manuale Typographicum que tiene publicada Peter Gabor y si se quiere profundizar siempre está la posibilidad de leer su artículo L’utopie graphique selon Hermann Zapf, está en francés pero es poco impedimento si hay interés.

En este vídeo podemos ver a Hermann Zapf en el desarrollo caligráfico:

El cartel históricamente ha sido un formato fundamental y popular para la transmisión de la comunicación, un elemento básico de difusión de eventos y propaganda en el que la imagen y la palabra se deben conjugar de una forma efectiva para conseguir la atención del viandante. En una visión evolutiva del cartel no sólo podemos ver los cambios estéticos sino también la historia social y política, ya que es uno de los elementos del diseño que más claramente ilustra el contexto en el que surge.

Uwe Loesch nació en 1943 en Dresde, Alemania. Ha vivido en Düsseldorf desde 1958, donde estudió diseño en la Academia Peter Behrens. Después de graduarse, ha trabajado como diseñador gráfico independiente y como profesor de diseño de comunicación en la Universidad de Wuppertal Bergische.

Es especialmente reconocido y premiado por su trabajo en el ámbito del cartel y su trabajo ha sido exhibido en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en diferentes museos y salas de París, Israel, Tokio, Osaka… además de estar en las colecciones del Moma de Nueva York o en la Biblioteca Nacional de París.

Loesch creció en la Alemania de posguerra, en la que el expresionismo aún ejercía una poderosa influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad de siglo y  en la que el diseño -en todos sus aspectos- jugó un papel clave en la reconstrucción del país. Actualmente todavía es visto como un factor fundamental para la economía de Alemania, tanto dentro de las fronteras como la imagen progresista que esto transmite en el ámbito internacional.

Influido también por el arte francés nihilista y el movimiento Dada, su trabajo comenzó a aparecer a principios de los 80, y casi instantáneamente atrajo la atención de los críticos por su dominio de la tipografía y sus habilidades fotográficas. Asimismo el color es otro elemento fundamental de su trabajo que utiliza con una magistral intencionalidad.

“Por lo general, uso el color en mi trabajo muy a propósito”

Aunque en su trabajo es habitual el uso ambiguo de palabras y los juegos verbales que se pierden al desconocer la lengua, sus carteles son portadores de un ingenio que considera la existencia social del hombre pero no intenta manipularlo. Y ante un mundo de grito y consumismo su deseo es susurrar y hacer participar activamente al espectador para que saque sus propias conclusiones:

“Espera un minuto. Si todo el mundo sigue gritando cada vez más fuerte, nadie será capaz de oír y mucho menos entender o creer cualquier cosa”.

También es habitual el uso del recurso de la “decepción visual”, cuando el espectador tiene que adaptarse porque no encuentra lo que en principio espera. Un diseño lleno de inteligencia, ingenio, fuertes contrastes y susurros para crear conciencia al espectador sobre diversas causas, muchas de ellas socio-políticas.

Para conocer mejor su trabajo, recomendamos un paseo digital por su Web.

Que hay muchas formas de plantearse el trabajo todos lo sabemos y que quizás elegir algunas de ellas nos puede conllevar un esfuerzo extra que nos hace descartar esas vías para ir a soluciones rápidas y sencillas no parece que fue la opción por la que se decantó esta diseñadora australiana, Bianca Chang.

Bianca es una diseñadora con base en Surry Hills -Sidney- apasionada por la tipografía y una “artista del papel a tiempo parcial”, según sus propias palabras, aunque no puede ser tan parcial porque esto no es un cortar y pegar digital. Ella misma asegura que “El tiempo invertido en cada pieza da un sentido de permanencia a la materia”.

Estas composiciones 3D o tipos arquitectónicos de papel, son creados algunos hasta por más de 150 capas de hojas de papel A4 de 80 gramos, reciclado y cortado uno por uno a mano.

En este blog amamos la tipografía, como diseñadores y escuela de diseño amamos la sutileza del papel ¿cómo no nos iba a gustar este delicado y espectacular trabajo de Bianca? Nos encanta!!!!

Bianca en Facebook, su Web.

Puedes disfrutar con algunos de sus últimos trabajos recogidos en este vídeo:

El Art Directors Club celebra una fiesta en la que presenta una nueva serie de libros en los que se destaca la contribución de las mujeres en el diseño. Estos libros forman parte del proyecto Hall of Femmes -Sala de mujeres- iniciado por Samira Bouabana y Angela Tillman Sperandio del estudio de diseño sueco HJÄRTA Smarta y con el objetivo de llamar la atención sobre la labor de las mujeres como directores de arte y en el ámbito del diseño.

En esta serie de libros cada volumen está centrado en una diseñadora y su trabajo, con entrevistas a las mismas e imágenes inéditas. El primer libro está dedicado a Ruth Ansel, Hall of Femmes: Ruth Ansel, co-director de Harper’s Bazaar en la década de los 60 y posteriormente director de arte en The New York Times Magazine y Vanity Fair. Ansel será incluida en el Directors Club Hall de la fama este otoño y en su haber tiene algunas de las imágenes más icónicas de nuestro tiempo además de haber protagonista de muchos de los cambios de la historia editorial.

El segundo volumen, centrado en la diseñadora Lillian Bassman, Hall of Femmes: Lillian Bassman. Lillian comenzó su carrera como asistente de Alexey Brodovitch en Bazar Harper y después ejerció como directora de arte de Bazar Junior. Más tarde entró con paso firme en el mundo de la fotografía, siendo una de las fotógrafas más influyentes de su generación.

El tercer volumen de esta serie está dedicado a Carin Goldberg, Hall of Femmes: Carin Goldberg, que comenzó su carrera de diseño en la Televisión CBS y CBS Records. Ha sido profesora de tipografía en la School of Visual Arts de New York City durante 28 años. En el 2009 recibió la medalla de oro de AIGA en reconocimiento a su trayectoria en el ámbito del diseño.

El cuarto y último volumen está dedicado a Paula Scher, una diseñadora ampliamente conocida por la cercanía de su trabajo en el tiempo. Paula ha sido diseñadora en Atlantic y CBS Records, posteriormente co-fundó el estudio Koppel y Scher hasta que en 1991 se unió como socia en Pentagram. En 1998 entró a formar parte del Art Directors Club Hall of Fame y ha sido galardonada también por AIGA. Este volumen no está actualmente disponible en Amazon, aunque en breve ya dispondremos de él.

El evento de lanzamiento, que es gratuito y abierto al público, es el próximo martes 28 de junio, 6:00-8:00 pm en la Galería CAF, 106 West 29th St., Nueva York. Si eres diseñador y tienes la suerte de estar por allí, yo no me lo perdería

Fuentes: www.dexigner.com, www.amazon.com.

HandMadeFont es un estudio Estonio de diseño que se fundó en el 2008 por Vladimir Loginov y Maksim Loginov. Su objetivo es la especialización en el desarrollo de fuentes únicas, no tradicionales, inspiradas en todo lo que les rodea.

Trabajan también por encargo para el desarrollo de fuentes específicas y únicas para publicidad, packaging, portadas de revistas… así como en otros ámbitos del diseño como en la dirección de arte, de marca, papelería, exposiciones, sistemas de señalización…

Pero estos diseñadores no están limitados exclusivamente el diseño estático, por lo que tienen fuentes de animación adecuadas para la televisión, vídeo o animaciones para Internet. Son fuentes en las que cada letra tiene una animación.

Para todos los que quieran conocer mejor el trabajo de los Loginov recomendamos un paseo por su portfolio o su página Web.

Hoy traemos el trabajo del diseñador gráfico canadiense Julien Vallée, un trabajo en el que se combina la elaboración artesanal, la construcción minuciosa de elementos volumétricos que se van sumando en escenarios para recrear un mundo 3D variado, un universo onírico colorista y con ciertos toques infantiles e ingenuos, que posteriormente son fotografiados o grabados para pasar por una manipulación digital.

Y no es Julien Vallée esté en contra de un proceso totalmente digital o por un 3D tradicional, aunque si que reconoce que su trabajo tiene esa personalidad propia de ilustraciones dibujadas a mano, de imágenes que no quieren ser perfectas y que guardan el encanto y la calidez de lo artesanal. Su trabajo no requiere de muchas sofisticaciones, al menos inicialmente, como se ve en los vídeos que realizó en OFFF París 2010 con todos los objetos que tenía a mano.

Vallée se graduó en el 2007 en la Universidad de Québec en Montreal en un grado en multimedia, collage y diseño gráfico. Posteriormente pasó un breve periodo en un programa dirigido por Stefan Sagmeister, del que se puede encontrar ciertas influencias en algunos de sus trabajos.

En el 2010 comenzó una nueva etapa con su propio estudio, establecido en Montreal, y con el que debe sentirse afortunado porque con menos de un año de funcionamiento puede tener el lujo de elegir los proyectos “Es mucho trabajo, pero estoy orgulloso de ello y me da la posibilidad de elegir proyectos que me gustan y trabajar con gente con la que me gusta trabajar”. Entre sus clientes podemos ver MTV o New York Times Magazine.

Su próximo proyecto con Google, no parece mal cliente y parece que se le ajusta como un guante a su estilo. Por ahora puedes ver algunos de sus trabajos en su página o en su canal de Vimeo.