Un libro sin duda muy curioso.

“En los años 1960, Dennis Hopper llevaba una cámara a todas partes: a los platós y los exteriores de filmación, a las fiestas, cenas, bares y galerías, al conducir por la carretera y al marchar en manifestaciones políticas. Fotografió a ídolos del cine, estrellas del pop, escritores, artistas, novias y completos desconocidos. Por el camino captó algunos de los momentos más interesantes de su generación con una visión aguda e intuitiva. Un icono a su pesar en el epicentro de la agitación cultural de esa década, Hopper documentó a aquellos como Tina Turner en el estudio, Andy Warhol durante su primer espectáculo en la Costa Oeste, Paul Newman en el plató y Martin Luther King a lo largo de la Marcha por los Derechos Civiles de Selma a Montgomery, Alabama.”

Dennis Hopper: Photographs 1961-1967
Dennis Hopper, Victor Bockris, Walter Hopps, Jessica Hundley, Tony Shafrazi
Tapa dura, 28 x 37.4 cm (11 x 14.7 in.), 544 páginas
€ 49.99
ISBN: 978-3-8365-2726-2
Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés

¿Y donde demonios está el español?. Para ser 400 millones de hispanohablantes hay que ver como nos tratan.

http://www.youtube.com/watch?v=V0EK7KEUGy8

No es un vídeo espectacular, ni con miles de reproducciones y comentarios, es un vídeo para abrir boca del documental de 60 minutos que se sumerge en la personalidad de este profesional y comparte la atmósfera de trabajo de este gran fotógrafo que es capaz de asombrar, descolocar y sobrecoger al observador de su obra.

En agosto del 2007 tuve la oportunidad de ver una exposición en el Istambul Museum of Modern Art y sentir esa sensación de aturdimiento ante sus imágenes de gran formato y los espacios que en ellas plasma, a través de los cuales Gursky nos hace reflexionar sobre nuestro entorno, sobre el capitalismo, sobre nuestra civilización en definitiva y el papel coral que en muchos casos juega el ser humano.

Una de las imágenes que estaba expuesta era la que aparece sobre estas líneas 99 Cent II Diptychon (2001) que encabeza la lista de mayores precios pagados por una fotografía y que fue subastada en Sotheby’s en febrero del 2007 por 3.346.456 dólares. Una segunda impresión se vendió por 2.480.000 dólares en una galería de York Nueva y una tercera impresión se vendió por 2,25 millones dólares nuevamente Sotheby’s. Paradójico que precisamente sea una imagen de un supermercado de “todo a 99 centavos”, pero este es precisamente el mundo en el que vivimos y lo que Gursky enfatiza en sus obras.

Andreas Gursky, Leizpig 1955, se inicia en la fotografía a través de su padre y posteriormente estudia en la Academia de las Artes de Düsseldorf y en la Folwangschule de Essen, fundada por Otto Steinert. La primeras obras de Gursky siguen el estilo de sus maestros Bernd y Hilla Becher, la denominada Nueva Escuela de Fotografía Alemana o “nueva objetividad”, ya que su principio es realizar un tratamiento aséptico y un registro de la sociedad contemporánea.

Tras un paréntesis en donde su obra adquiere influencias de artistas americanos, en 1990 vuelve al estilo y las técnicas fotográficas de los Bescher aunque sumando otras influencias y la manipulación digital de las imágenes. Su tratamiento no es aséptico ni objetivo, sino que incorpora la crítica y un análisis profundo sobre la globalización así como un comportamiento social estandarizado en unos espacios en los que habitualmente enfatiza mediante la serialización, la posición alta o distante del objetivo de su cámara  y la captación de múltiples puntos de vista sobre el mismo tema.

A menudo sus imágenes nos presentan espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, supermercados, plantas industriales… sitios por los que, en muchos casos, podemos transitar habitualmente indiferentes pero que gracias a su visión, llenos de detalles y color, invaden nuestra vista y consiguen presentarnos una realidad aumentada del mundo contemporáneo que nos lleva a una reflexión sobre nuestro papel, insignificante, en esta sociedad.

Bien es cierto que algunos críticos piensan que sus imágenes están llenas de teatralidad y vacías de contenido, que se le han acabado sus ideas, que repite sus fórmulas y que ya su trabajo cargado de anfetaminas visuales no convence. Que cada cual evalúe, aunque por favor que lo haga en directo.

Porque las obras de Gursky tienen que verse en directo y las reproducciones digitales en otros tamaños no hacen justicia del potencial y efecto que estas imágenes tienen así como la reflexión que nos impone a través de esa sobredimensión de una materialidad modificada para, sorprendentemente, ser percibida entonces en su inmensa realidad.

Un retratista de nuestra civilización, de la especie humana y su entorno pero que desprecia al individuo “Yo no estoy interesado en el individuo”, dice fríamente Gursky. ¿Hay algo que represente mejor nuestra sociedad posmoderna?.

“Picasso es comunista, y yo tampoco… ”

Con estas palabras un genio universal definía a un compañero de pinceles. Con estas luces y sombras un maestro fotografiaba al genio.

Si hay algún momento donde la importancia del fotografiado define la del fotógrafo puede ser este, ya que estamos antes uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX en España. Veo su galería en Flickr y no puedo dejar de asombrarme: Martin Luther King, Hitchcok, JFK, Dylan y Baez, Mel Ferrer, Marlon Brando, Krushev, Harry Belafonte, Paul Newman… Este hombre ha sido testigo y notario en imágenes, de buena parte de lo más significativo del siglo pasado.

¿Pero quien es Enrique Meneses?

Google me da una cronología interesante:

Nace en Madrid en 1929 mientras empieza a gestarse la gran guerra mundial. Ilustrado desde joven, debe ser el fruto de una buena educación, ya que termina el bachillerato Francés y el Español, como paso previo a estudiar Derecho en la Universidad de Salamanca y Madrid. Para entonces ya tenía inoculado el virus del periodismo -de raza le viene al galgo pues su padre tenía en París una agencia de prensa- cuyo primer fruto fue el reportaje que realiza con motivo de la muerte de Manolete. Tenía entonces 17 años.

Viajero impenitente en el 55 viaja a Egipto donde 1 año después cubre la segunda guerra árabe-israelí, desde el lado egipcio, para la revista París Match. Apenas 1 año después viaja a Cuba y vive varios años con los revolucionarios de Sierra Maestra, y es un reportaje con Fidel y compañía el que le proyecta a nivel mundial.

Estos y muchos más datos se pueden encontrar en sus memorias “Hasta Aquí Hemos Llegado” (ISBN: 9788493477813 ).

Si busco una palabra para definirlo es freelance. Si busco un concepto es el de hombre libre que elige aquello que quiere hacer. Con este espíritu se establece en EEUU y funda la agencia española Fotopress, antes de dirigir “A toda plana” en RTVE, y de trabajar en medios como ABC, Playboy o RNE. Testigo de hechos históricos relevantes que van desde la marcha de los derechos civiles de Luther King en 1963 hasta el asedio de Sarajevo en 1993.

Pero de toda la información que he encontrado sobre él, me quedo con Decálogo del aventurero y dentro de él con una triada de pensamientos:

• Piensa que no has heredado este planeta sino que lo tienes en usufructo y has de devolverlo mejor que lo encontraste.
• La mujer y el niño son la Humanidad en su más puro estado. Respétalos siempre, pues son la semilla que hay en tí.
• Si eres un auténtico aventurero, sé fuerte con los fuertes y débil con los débiles. Y así, como decía Rudyard Kipling, te podrás llamar “hombre”.

Link de interés:

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RTVE
Wikipedia
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Pedro Luis Raota (26 de abril de 1934, Presidencia Roque Sáenz Peña – 4 de marzo de 1986, Buenos Aires) fue un fotógrafo argentino, catalogado como uno de los máximos exponentes de la fotografía americana y como el fotógrafo argentino que más premios ha recibido.

En Villaguay logró sus primeros premios. Luego exhibió en Buenos Aires y comenzó a enviar sus creaciones a todas las exposiciones que podía. En 1966 ganó el Primer Premio en un concurso fotográfico organizado por Mundo Hispánico, una revista de Madrid (España), cuyo tema era Vida y Costumbres del Gaucho de la Argentina. Este fue el primer premio importante fuera del país a pesar de que ya había estado enviando sus fotos sin demasiada suerte, a diversos Salones Internacionales.

El número de premio que acumula en su carrera es impresionante hasta que en En 1981 comenzó a funcionar en Buenos Aires el Instituto Superior de Arte Fotográfico, dirigido por él y secundado por un selecto cuerpo de profesores.

Se entusiasmó por la fotografía color y editó un Portafolio sobre Gauchos con 12 temas que despertaron el interés de los coleccionistas. Con el correr de los años Pedro Luis Raota desarrolló un estilo muy propio y personal. Sus fotografías, con fuertes acentos de luz resaltando sobre un fondo oscuro, han llegado a ser prácticamente, su marca registrada, siendo muy fácil reconocerlas incluso para el novato.

Con imágenes desgarradora en ocasiones y siempre comprometidas, Rahota llama a nuestra conciencia al tiempo que muestra en blanco y negro retazos de vida que no nos dejan impasibles.

Puedes ver su magnífico trabajo en el Galería Ignacio Barceló de Córdoba hasta el día 29 de julio.

http://www.raota.com

El Círculo de Bellas Artes de Madrid ofrece hasta el 5 de septiembre la exposición This is the war! (¡Esto es la guerra!), una muestra que se ha podido ver también en Nueva York, Londres, Milán y Barcelona. Esto es la Guerra reúne 170 fotografías realizadas por Robert Capa en los conflictos que cubrió como reportero de guerra durante los años 30 y 40 del siglo XX en todo el mundo. Imágenes que le convirtieron en uno de los fotógrafos más célebres de la historia.

Robert Capa –su nombre real era Endre Enrö Friedmann– (Hungría, 1913 – Indochina, 1954) realizó en la Guerra Civil española algunas de las imágenes más conocidas del conflicto, como Muerte de un miliciano, la discutida instantánea del momento en el que supuestamente un soldado republicano cae herido de muerte en Cerro Muriano (Córdoba).

Iconos de la guerra

Acabada la Guerra Civil, entre 1939 y 1940, Capa cubrió otros episodios bélicos, como la invasión japonesa de China, y fotografió algunos de los escenarios y momentos más importantes de la Segunda Guerra Mundial. Fue espectador de excepción del desembarco de las tropas aliadas en Normandía, en el conocido como Día D, de la liberación de París y de la entrada de las tropas estadounidenses en Leipzig.

En 1947, fundó en París la agencia Magnum con Henri Cartier Bresson, David Seymour “Chim” y George Rodger, y seis años después aceptó un encargo de la revista Life para ir a cubrir el conflicto de Indochina (el actual Vietnam), donde murió al pisar una mina.

La exposición del CBA se completará con un importante conjunto documental (veinticinco revistas y diez cartas) que contribuirá a contextualizar su trabajo y el eco que tuvo en los medios de la época.

NEWS llega a más de 10.000 puntos directos (museos, galerías, revistas especializadas, críticos, fotógrafos, historiadores, asociaciones, grupos y colectivos, federaciones, etc. de España y de 65 países más de todo el mundo). De manera indirecta “NEWS” llega a más de 535.000 lectores.

Para poder trabajar con las fotografías en Lightroom debemos importarlas. Con la importación, Lightroom se informa de las fotografías que están en la biblioteca, y de si proceden directamente de una cámara, un disco duro, un lector de tarjetas de memoria u otro dispositivo de almacenamiento. Al importar, podrá seleccionar entre mover o copiar los archivos de fotografías en una carpeta específica o crear referencias a los archivos conservándolos en su ubicación actual. Durante la importación de fotografías puede cambiarles el nombre, aplicar ajustes del módulo Revelar, incrustar metadatos y palabras clave, e incluso guardar copias de seguridad de las fotografías originales en otra carpeta.

Esta convocatoria intenta que se refleje y que ayude a entender la presencia y la importancia de los Premios Delta en la vida cotidiana.

Para que podamos reconocer esos objetos premiados, podemos consultar la web de ADIFAD en Picasa. Los objetos que podemos encontrar en esta historia de los premios Delta son de lo más variado y en muchos casos han contribuido a mejorar nuestra vida, a aportar buenas soluciones o hacer más atractivo nuestro entorno. Algunos de esos objetos pertenecen a la década de los 60 y serán casi desconocidos para los más jóvenes pero en cualquier caso son demostrativos de otros tiempos y de la evolución en los conceptos del diseño.

Las fotos que realicemos con estos objetos premiados, se tienen que enviar a fotodelta@adifad.org e indicando los datos de contacto. Las imágenes se irán colgando en el blog de ADI y las mejores ganarán una panera de premios O_O (por favor, que nadie nos pregunte que es esto de la panera de premios porque no tenemos ni idea a que se refieren. Las preguntas a adifad.org).

Los Premios Delta ADI-FAD de Diseño Industrial son los más importantes que se otorgan dentro de este sector en nuestro país. Estos galardones, que organiza bianualmente la Asociación de Diseño Industrial del Fomento de las Artes Decorativas (ADI-FAD), son un referente único en el campo del diseño industrial, gracias a la calidad de las obras que se presentan. Con estos premios se quiere contribuir al reconocimiento público de los profesionales del diseño industrial y de las empresas productoras, tanto a nivel nacional como internacional. Este año se ha celebrado la edición 33ª de estos premios.

La verdad es que da igual el premio, aunque recibir una panera de premios tiene que ser toda una sensación, pero creo que es una magnífica convocatoria que nos permite apreciar lo que nos rodea y ver la importancia del buen diseño en nuestro entorno así como en su evolución histórica.

Si el Doctor Frankenstein, creado por Mary Shelley y nacido en la Villa Diodati, ha sido el mito por antonomasia de la vida artificial, ahora nosotros tenemos otros Doctores de Photoshop en el Instituto de Artes Visuales creando personalidades digitales.

La alumna Elena de la Orden ha creado un personaje digital a partir de distintas partes de imágenes de sus compañeros de clase y lo remató colocándole su característica cicatriz. Utilizando las herramientas de licuar, máscaras e igualación de color ha salido este chico al que aún no le hemos puesto nombre, pero que ya es un nuevo miembro del grupo.

El resultado parece que ha tenido éxito y su fisonomía gusta. Elena,  subió la imagen a Twenty y ya tiene chicas interesadas en conocer al personaje. Desgraciadamente no podemos facilitar, por ahora, más que su imagen pero quizás le desarrollemos una imagen digital que vaya más allá del tratamiento fotográfico.

¿Alguien se anima con el nombre?

Si tiene una Polaroid sin carrete guardada como oro en paño, puede ir “engrasándola” nuevamente porque a principios del 2010 parece que volverá a tener películas.

El 8 de febrero del 2008 la marca Polaroid anunció el fin de la fabricación de películas para sus cámaras instantáneas, que se habían dejado de fabricar el año anterior. Es el anuncio de muerte de un mito.

El mismo día del cierre de la fábrica de películas Viena Florian Kaps era uno de los invitados a la clausura ya que gestionaba el portal polanoid.net -la mayor comunidad virtual de aficionados a las polaroid- se encuentra con uno de los ejecutivos de la empresa -André Bosman- y con otros trabajadores se embarcan en el desafío de inventar un producto similar. Es el nacimiento de The Impossible Proyect, que permitirá que los usuarios de Polaroid puedan comprar nuevos carretes a principios del 2010.

El nombre “El proyecto imposible” además de representar lo difícil de la tarea que se habían propuesto, es leitmotiv y un homenaje al inventor de la película Polaroid Edwin H. Land que recomendaba “no emprendas un proyecto hasta que sea manifiestamente importante y casi imposible”.

Edwin H. Land había presentando en 1947 la primera fotografía instantánea, una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan sólo 60 segundos, que se convirtió en el producto distintivo de la compañía y objeto de culto de muchos artistas. Sobre todo el mítico modelo SX70, que fue presentado en 1972 por Sir Lawrence Olivier y calificado como “cámara mágica”.

Los lloros de la hija de Edwin por no poder ver las fotos de las vacaciones hasta ser reveladas fue lo que provocó que éste investigara hasta conseguir la cámara instantánea. Es cierto que su calidad fotográfica no es destacable, pero precisamente ha conseguido que esas carencias en la reproducción se conviertan en una calidez de imagen capaz de seducir a muchos devotos y a más de un artista gráfico. “Los puntos débiles de Polaroid son mi punto de partida”, afirma el artista gráfico Markus Elsner. Gracias a la luz difusa se crea un ambiente raro, porque la cámara no sabe cómo tratar los colores. Esto se hace patente con un punto azul, verde o amarillo difícilmente calculable con anterioridad. “Las fotografías resultan absolutamente únicas”, exclama Elsner.

Otro de los apasionados de las instantáneas fue Andy Warhol, que parece que llegó a realizar más de 60.000 fotografías en su vida y muchas de ellas fueron Polaroid. Warhol apreciaba la estética tanto de las imágenes de fotomatón como las instantáneas Polaroid, con similares características. Para la realización de sus fotografías utilizaba Polaroid SX-70 Big Shot y tal era la afición del artista por este modelo que la marca decidió no cesar la producción de la misma (o de sus accesorios) para mantener contento a su mejor cliente.

Con el anuncio de la desaparición, los entusiastas de las Polaroid enloquecieron y se lanzaron a buscar todo resquicio que pudiera quedar de películas para sus máquinas, se recurrió al activismo -SavePolaroid.com-, todo el que podía hacía una oda a las características de las instantáneas: color, sonido, revelado, recuadro…
Su estética se convirtió en algo cool que nos resistíamos a perder en pro de la era digital por lo que se pone de moda el efecto fotográfico Polaroid de Photoshop,� aparece la aplicación de iPhone llamada ShakeIt que “revela” las imágenes virtuales con más rapidez al agitar el dispositivo y “The Polaroid Party” una fiesta en Brooklyn en la que los asistentes podían colgar sus fotos junto a las imágenes ya montadas de artistas locales. Cualquier cosa con tal de que Polaroid no muriera aunque lo único que realmente lo conseguirá serán nuevos carretes que sigan permitiéndonos crear esas instantáneas.

La nueva película aún no tiene nombre ya que el de la marca estadounidense no lo pueden utilizar por razones de derechos, pero mantendrá sus señas de identidad: su definitorio marco blanco, el característico olor químico, los colores desteñidos y el minuto de espera hasta que las imágenes se revelen poco a poco.

Primero será un carrete en blanco y negro, y después llegará el color. “Hay muchas personas jóvenes que están descubriendo las Polaroid y la fotografía analógica. La gente ha descubierto que lo digital no lo es todo, por ejemplo, el vinilo con su característico sonido tiene más encanto”, sostiene Kaps al explicar que hay un movimiento “retro” que se rebela contra el mundo digital.

“La gente hace ahora miles de fotografías, muchas sin sentido, y se desengaña. La fotografía analógica es algo especial, una creación única, es un momento que el fotógrafo debe elegir con cuidado para dejar algo para el recuerdo”, agrega sobre el auge analógico.

Este tipo de fotografía ya no es tampoco un reducto de nostálgicos; el perfil del usuario es una persona de entre 24 y 47 años, con una educación y un nivel de ingresos elevados, creativos y bien integrados en el mundo digital, según los datos que maneja Kaps de los más de 16.000 usuarios de polanoid.net. Pero además del argumento romántico de luchar para que no desaparezca este tipo de fotografía instantánea, existe un claro y reconocido componente comercial en los esfuerzos. “Nuestra intención es producir y vender el año que viene un millón de películas, la demanda según nuestros cálculos y los originales de Polaroid es de 10 millones de carretes anuales”, indica.

Kaps ha encontrado un enorme nicho de mercado con una demanda garantizada para un producto del que se carecía de suministro. A pesar de que la cámara ha pasado de ser un producto de masas a un objeto de culto con un círculo de usuarios más reducidos, el negocio está casi garantizado. Y los precios de los nuevos carretes no serán más baratos que los anteriores, un carrete de 10 fotos costará alrededor de 20 euros. Además, el año que viene planean poner en el mercado una nueva cámara con ajustes manuales.

Así que viva la era digital y reviva la Polaroid.